La compasión. Les Tourmentes (2014)

“Me enfrentaré a la aflicción, descubriré un respeto por ella y, si es posible, encontraré su belleza”. John Berger.

Les Tourmentes (2014) es una marca, una señal en el camino, en el tiempo. Un grito desde las profundidades. Es una mirada hacia los perdidos, desde la locura, que toma su lugar para mirar cara a cara al espectador para, por un lado, traer al presente a aquellas personas que se perdieron por el camino de los tiempos y que fueron olvidados en los márgenes de la historia y, por otro, el de construir una marca, una señal cinematográfica, que nos permita salir de la tormenta en la que estamos envueltos, para dejar de caminar en círculos en la espesura de una niebla que nos envuelve.

Frágil retrato del ser humano que nos plantea Vandeweerd, que posa la mirada fija sobre los locos. Gesto valiente, de compasión. Su cámara filma sus rostros, sus gestos, nos deja ver de cerca, en largos planos. Ellos miran a cámara, al espectador, a nosotros, desafiándonos. No se trata de dar la palabra a alguien. Sino de tomar y ser tomado. Reducir una distancia construida que nos pone frente a frente.

Reconocemos en sus tics, en su forma de andar, el gesto del que cayó en la fractura, espacio existente entre la forma de estar en el mundo y del mundo en sí mismo. Una violenta tensión que se resuelve a las bravas y que deja a las personas en un impasse, una locura que se abalanza a llenar un vacío que se hizo insoportable. Que nos quiebra.

Entre la cordura y la locura, la naturaleza y la cultura, lo físico y lo mental, el pasado y el presente, lo terrenal y lo mítico, la memoria y el olvido, emerge un filme excepcional, que se olvida de líneas argumentales para invocar un misterio que habita en nuestro interior para reconocernos en el otro.

“La compasión no tiene lugar en el orden natural del mundo, que opera sobre la base de la necesidad. Las leyes de la necesidad son tan inexorables como las de la gravedad. La facultad humana de la compasión se opone a este orden y, por consiguiente, es mejor considerar que hasta cierto punto es sobrenatural. Olvidarse de uno mismo, por brevemente que sea, identificarse con un desconocido hasta el punto de reconocerlo, supone desafiar la necesidad, y este desafío, aunque sea mínimo y callado, entraña una fuerza que no se puede calibrar según los límites del orden natural. No es un medio y no tiene fin. Los Antiguos lo sabían”.  John Berger

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¿Qué queda por decir? O futebol (2015)

Sergio Oksman viaja a Brasil cámara en mano para encontrarse con su padre, al que apenas ha visto durante los últimos veinte años, coincidiendo con la Copa del Mundo de Fútbol de 2014. Esta es la premisa con la que arranca “O futebol”, un filme que explora el vacío, la distancia y el paso del tiempo a través de la relación padre e hijo.

Un mundial siempre promete emoción, fiesta, acción. Espectáculo. Pero Sergio se planta allí con un decálogo de reglas formales auspiciadas por Carlos Muguiro a partir de las cuales filmará un Sao Paulo desértico y extraño, muy alejado de lo que esperamos ver en una ciudad envuelta en semejante acontecimiento. Limitaciones en la puesta en escena que le permiten escapar del ruido. Fuera del estadio, fuera del espectáculo, fuera de campo. Entrar sólo hubiera significado esconder el vacío que habita entre ellos. La distancia. El dolor que se oculta tras la gigantesca ceremonia del deporte rey. Ni siquiera el coche en que viajan tiene radio. “La puta que parió”.

El gesto de vaciar se hace más evidente en este contexto, así como el más leve sonido irrumpe del más absoluto silencio. Encuadres fijos habitados por cuerpos inmóviles y sigilosos, suspendidos en el tiempo. La palabra sólo aparece para no decir nada, decidida a enfrentarse contra su enemigo natural. Pero es en el desierto donde nos encontramos con los personajes, con el padre, con sus dudas, con sus traumas, en su desconexión. Esquema invertido en el que las palabras ocultan y los silencios muestran.

Un gesto radical el de Sergio Oksman y Carlos Muguiro hoy día que somos bombardeados por cantidades ingentes de imágenes que no nos dejan mirar, convertidos en consumidores de efectos. Gesto revolucionario el de vaciar, el de reducir al mínimo los elementos que construyen el filme, sólo así podemos ver mejor, alejados del ruido de la sobrecarga informativa que nos rodea. Flotar en el abismo que separa dos cuerpos, que separa lo de dentro y lo de fuera, que separa el espectáculo de la vida misma. Flotar en un vacío que nos pertenece por derecho y del que huimos incansablemente.

Y así sin más, la película va desapareciendo, poco a poco, a su propio ritmo, como las letras escritas en los espacios de un crucigrama, que un día se llenaron con palabras sin importancia. Carácteres presos en un espacio cerrado y que sirven a las personas para lidiar con el tiempo. Palabras que no significan nada porque esa es, precisamente, su esencia.

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Pero la vida siguió. Navajazo (2014)

La película Navajazo, de Ricardo Silva, se construye sobre una serie de personajes atravesados por la violenta tensión entre dos mundos. Al igual que estos, el film se sitúa en el espacio de la herida, de la llaga, en el limbo que separa Estados Unidos de México, Tijuana. En el límite que separa la realidad de los sueños, en la fractura creada por un sistema sustentado por el deseo y que no deja de arrojar sus desechos al margen. Allí donde el diablo escupió a mala fe la condena a la que estamos predestinados. “¿Quieres conocer al otro Sally que no se droga?”.

Así el relato se orquesta zarandeando al espectador de un lado al otro, convirtiendo la butaca en una silla eléctrica mientras tratamos de no caer hacia un abismo por el que caminamos sin brújula ni mapa. Entre el sueño y la pesadilla, entre el amor y la pornografía, entre lo sobrio y lo ebrio, entre la violencia y su representación, entre Dios y el Demonio, entre la ficción y el documental.

Desfilan ante nuestros ojos drogadictos, prostitutas, asesinos y vagabundos. El director se vale de un dispositivo fílmico que también se encuentra en el límite de lo moralmente aceptable, que roza el lado oscuro de la ética documental. Hace que sus personajes se reinterpreten a sí mismos, pidíendoles acciones y gestos por unos pocos dólares, provocando en ellos una sobreactuación que es catapultada por lo que ellos piensan que la sociedad les exige. Todo ello ante la imponente y violenta presencia de una cámara de video, llevando así la puesta en escena al límite entre el surrealismo y la más cruda realidad. Pero Silva lo pone a la vista de todos, mostrando claquetas y micrófonos que entran en plano, y consigue hacernos conscientes de que lo que estamos viendo está mediatizado, que hay un equipo de rodaje allí, y que lo que estamos contemplando es real sólo a medias, que la mentira es una forma alterna de contar la verdad. Hace bascular así una hiperrealidad cegadora por dolorosa, hacia una tratamiento cinematográfico que permite al espectador contemplar la situación con la suficiente distancia, evitando su deslumbramiento. Metacine que nos empuja a una reflexión sobre la identidad y la representación mediática, esa que funda y abandona a las personas a su antojo. “¿Do you believe in true love?”.

El film adquiere el punto de vista de los personajes mediante un texto que, a modo de subtítulos, aparece de forma puntual y que sirve a Silva para organizar el relato en tres partes, para situarnos en un contexto político, el de las migraciones y la búsqueda de una vida mejor, y para introducir lo que se nos viene encima, el cáncer de una sociedad enferma hasta la médula. Habla desde el desengaño, duro, seco, violento. Lleno de rabia aunque también de dignidad. Mostrar las heridas del sistema, su fracaso, allí donde se tambalea, allí donde es tan frágil como una de las canciones de cuna de Albert Pla, que mece a los personajes con el cariño y el amor que sólo una madre puede darles, esa que todos necesitamos ahora que estamos perdidos.

Navajazo son veinticuatro puñaladas por segundo a la ideología dominante. La de la violencia domesticada de Hollywood, la del amor eterno, la de las fantasías publicitarias de un anuncio de colonia, la de la fe en un sistema que se desmorona a cada segundo. “Pero aquí seguimos muy a tu pesar”.

Cine en el filo de la navaja. Dónde está el brillo.

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Soy un pez moribundo en el infierno. Leviathan (2012)

No me importa lo que mide un barco industrial, no me importa cuantas toneladas pescan cada noche, no me importa cuanta gente trabaja en él, no me importa que especies son capturadas, no me importa en que océano me encuentro, no me importa donde estoy. Sólo se que he sido deborado por un monstruo. Soy el estómago putrefacto del capitalismo.

Donde la mayor parte de las producciones de no ficción intentan dar un sentido al mundo, Leviathan se revela en la desorientación. Una noche cerrada en medio del mar, perspectivas en primera persona imposibles, voces de ultratrumba en un lenguaje desconocido, ruidos chiriantes de maquinaria industrial y una geografía espacial interior en la que estamos perdidos. Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel consiguen que Leviathan sea una experiencia totalmente sensorial, sin voz en off, sin diálogos, sin narrador, sólo imágenes  y un sonido ambiente tratado de forma espectacular por Ernst Karel.

El documental nos muestra de una forma visceral los trabajos de pesca en un barco industrial. La manera de rodar el documental hace que el proceso se convierta en una pesadilla en la que la embarcación, que deviene un monstruo y sus diferentes partes los órganos, surca los mares pescando ingentes cantidades de peces, procesándolos en su interior para defecarlos después mientras cientos de gaviotas pelean por un trozo del pastel. Soy el corazón desgarrado de la naturaleza.

Esto es lo que pasa cuando dos antropólogos se suben a un barco de pesca industrial bajo la producción del Sensory Ethnography Lab (SEL), laboratorio experimental de la Universidad de Harvard que promueve combinaciones innovadoras entre la estética y la etnografía. Bajo este mantra buscan una expresión visual o acústica antes que a través de signos puramente verbales. Una forma de hacer cine que vuelve la mirada a los inicios del género para retomar eso de que una imágen vale más que mil palabras. Esta semana no comeré pescado.

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El amor es un rugido. Cutie and the Boxer (2013)

El arte muchas veces surge del conflicto, del combate, de encajar el día a día. Las relaciones de pareja también son eso. Este brillante documental nos muestra el mundo de una entrañable pareja de artistas que luchan para seguir adelante, pagar el alquiler y sobrevivir a una relación de casi cuarenta años. El arte como catalizador para enfrentarse a sus vidas, a su relación y a sus propios demonios.

El documental avanza de una manera magistral contraponiendo la expresión artística y la forma de entender la relación de cada uno. Ushio desarrolla una obra sucia, ruda y caótica, Noriko emerge de la sombra de su marido pintando unos dibujos íntimos y emocionales que cuentan la historia de sus alter egos y que se muestran a menudo mediante  animaciones  que además funcionan aportando ritmo al documental. La guerra de los sexos llevada al arte.

Zachary Heinzerling obtuvo el premio a la mejor dirección por este documental en el pasado festival de Sundance con esta historia que fluye entre el pasado y el presente de esta singular pareja empleando una amplia variedad estética, una excelente fotografía y una gran banda sonora, y que convierten, un pequeña relación que comenzó en Nueva York durante los años 70, en una obra universal sobre el amor y la vitalidad creativa.

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El aborto y la guerra santa. The Lake Of Fire (2006)

Fundamentalismo religioso, médicos usando chalecos anti-balas, Noam Chomsky, abortos, predicadores, mujeres, asesinatos, fetos que se salen de la pantalla, guerra santa, atentados en clínicas, extremismo católico y en definitiva un documental que nos presenta una mirada de trescientos sesenta grados sobre el polémico asunto del aborto que en EEUU alcanza proporciones épicas.

Documental dirigo por Tony Kaye, el de American History X, que entra de lleno en el polémico asunto del aborto en EEUU en una obra construida a base de entrevistas a partir de las cuales va desgranando y profundizando en las raices de la América más religiosa y fundamentalista. Editado finalmente en blanco y negro seguramente por la diversidad de imágenes que debían barajar después de 18 años trabajando en el proyecto y para reducir el fuerte impacto que causan las imágenes de los abortos. El uso continuo de primeros planos generan una estado en el que el espectador parece que esté apunto de contemplar el inicio de una nueva guerra santa.

Una buena excusa para adentrase en un tema muy complejo que podría estar apunto de dar un giro de 180 grados en España por la reforma de la ley del aborto que Gallardón propondrá este mismo año. Un tema en el que parece que todos tienen algo que decir y en el que la libertad de la mujer y el derecho a la vida se encuentran en el epicentro del huracán.

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Bienvenidos

Bienvenidos al Laberinto Documental, un espacio en la web que quiero utilizar para compartir mis inquietudes sobre el mundo del cine documental y las relaciones de este con la actualidad que nos rodea. La idea es difundir las novedades y lanzamientos de este género cada día mas revitalizado, así como también utilizar los documentales como un recurso desde el cual abordar aquellos debates y polémicas que nos acechan en nuestro día a día.

Quiero ser cómplice del crecimiento y la evolución que el cine de no ficción ha experimentado durante los últimos años a través de la mutación de formatos, la alteración de estructuras narrativas, la innovación en el estilo y en definitiva el desarrollo de una forma de hacer cine que hoy en día va más allá de las valiosas causas sociales y que se adentra como nunca en terrenos dramáticos y sensoriales.

En muchos casos el trabajo que hay detrás en la producción de un documental es un proceso de investigación sumamente laborioso, que suele llevar años de trabajo, y que por ello, aborda asuntos desde todas las perspectivas posibles con un rigor difícil de encontrar en al actualidad (acostumbrados a pasar de puntillas sobre temáticas fundamentales) de la que emergen la ambigüedad y la complejidad implícitas en la condición humana en toda su magnitud. Por ello pienso que no hay mejor manera para adentrase en los debates y polémicas más importantes de esta época que desde este formato que, bajo mi punto de vista, combina el mejor periodismo con lo mejor del drama.

Creo firmemente que el documental esta llegando a una madurez y a una influencia que jamás había tenido en la industria audiovisual y es que “la actual escasez de realismo y las interminables secuelas de comics y películas de acción apocalípticas está forzando a los espectadores más perspicaces a escoger auténticas historias sobre aquellas plagadas de efectismos visuales o con descabellados guiones”.

Como ahí fuera hay gente que sabe mucho más que yo y como sé que lo mejor que me puede pasar es que venga a mi pagina y me lo cuente, estáis todos invitados a participar conmigo en la creación de este blog ya sea puliendo, corrigiendo o ampliando  los artículos con otras fuentes de información y generar así un enriquecimiento constante en las ideas que surjan y desarrollar un espacio para el análisis y la evaluación del mundo del cine documental.